12 de noviembre de 2009

Dino Valls

Hoy os presento a Dino Valls (Zaragoza, 1959), el cual es Licenciado en Medicina y Cirugía y tiene un curriculum de exposiciones individuales bastante importante. Ha expuesto en el Palazzo Ferrajoli de Roma, en la Galería Il Polittico de Roma o en la Galería Llucià Homs de Barcelona, entre otros. Además ha estado presente en varias ediciones de ART MIAMI y en exposiciones colectivas en Huesca, Roma, Milán, Barcelona, Londres, etc.


(...) Las obras de Valls están hechas para perdurar. (...)
Aún hay más maneras de mirar al arte, y una en particular debe ser aplicada al tipo de obra que produce Dino Valls. Su manera de aplicar la técnica, minuciosamente organizada, es lo opuesto de la espontaneidad.De hecho, lo primero que se nos ocurre al intentar describir su arte es que Valls es, en el sentido más estricto, un pintor
conceptual. El elemento conceptual de su obra resalta más cuando añadimos que las figuras que emplea en sus obras son puras invenciones, ni siquiera modelos tomados de la vida real.

(...) es el representante español de un tipo de arte nuevo e intrigante que está comenzando a desafiar muchas de las respetadas presunciones del Arte Moderno del siglo XX y las nociones sobre qué es y qué no es vanguardia. (...)
En las pinturas de Valls, es la psicología de la escena la que es protagonista. Sus figuras, nunca inspiradas en la vida real como he mencionado antes, son esencialmente como urnas que encierran los eventos emocionales, en las cuales podemos examinar su contenido a través de un cristal transparente.

(...) Sus figuras ahora nos desafían en su propia identidad. Lo que representan es algo que no tiene por qué luchar por ser
moderno o contemporáneo tal y como se entienden estos términos hoy en día. No son imágenes reconfortantes. No se asemejan al cómodo sillón al cual, según Matisse, todos los buenos cuadros debían parecerse. Estas obras impresionan por su destreza técnica y la delicada poesía que evocan. A su vez, lo que llama la atención es la precisión con la que recoge el espíritu incierto de nuestros tiempos. No sólo la precisión hace que estas obras sean memorables, sino que la sofisticación intelectual que las concibe logra que el mensaje sea comunicado con más fuerza y nitidez. En unos tiempos en los que hemos olvidado casi por completo lo que es una buena pintura, en Valls encontramos la obra de un artista que es plenamente conocedor de sus poderes.

Edward Lucie-Smith
Ensayo para monografía “Dino Valls: ex picturis”, Mira Editores, Zaragoza, 2001

11 de noviembre de 2009

Nicola Dale

Nicola Dale, es un artista que trabaja en torno a los libros. Cuando estaba en la Universidad empezó a hacer arte con los libros que estudiaba y comenzó a querer a los libros más allá de su contenido, por sus tapas, sus letras, sus hojas, su diseño, incluso el olor.

Volumes

The Book Which Reads itself

Telling the Truth About History, But Not About the Past

A Secret Heliotropism

Ten Years

Fly Kim Deal

10 de noviembre de 2009

Historia de las exposiciones III

Hoy os resumiré la sesión del 19/11/2009 impartida por Germano Celant sobre la exposición Ambiente Arte celebrada en la Bienal de Venecia de 1976 .

Primera nota a tener en cuenta: Germano es el padre del término 'arte povera', el cual acuñó en 1967.

La Bienal de 1976 tenía por tema 'Ambiente, Participación, Estructuras culturales' y Germano organizo la exposición 'Ambiente/Arte' situada en el pabellón central y comprendía una sección histórica y otra contemporánea.

En la contemporanea, situó a artistas como Vito Acconci, Michael Asher, Danuel Buren, Mario Merz y Dan Graham para interactuar con la arquitectura interior de los Giardini.

En la sección histórica reconstruyó los entornos de la vanguardia y de la postguerra llamados 'ambiente'. Algunas reconstrucciones se llevaron a cabo expresamente para la Bienal como 'Exit' de Man Ray (1934), 'Immaterieller Raum (Espacio Intangible)' de Yves Klein (1961) y 'Le plein' de Arman (1960). En la sala de Jackson Pollock no presentaba obras auténticas de Pollock sino un ambiente de sensaciones que transmitía la manera como trabajaba este artista: había seis ampliaciones fotográficas de Hans Namuth (1950) donde se veía a Pollock trabajando, una ampliación a escala natural de 'One, number 31' (1950) situada en el suelo y la película de Namuth sobre Pollock. Curiosamente aunque estas estaban en el suelo, nadie se atrevió a pasear por encima. Y aquí, nos encontramos ante uno de los tabús más presentes aún en la actualidad, el hecho de 'no tocar' las obras tan presente en muchas instituciones, prohibición que coarta al visitante, hasta tal punto que cuando se le permite pisar o tocar el visitante no sabe cómo actuar. Pero vamos mas allá, un cuadro de Pollock esta realizado en un plano horizontal (el suelo) entonces ¿Por qué tenemos que verlo desde una perspectiva diferente? ¿por qué los museos no se preocupan de mostrar las obras de Pollock tal cómo se hicieron? Quizás situándose en 'la misma perspectiva' el visitante pueda entrar mejor en el mundo de las pinturas de Pollock. Es necesario un cambio de paradigma ¡YA! Se ha de incentivar la curiosidad de la gente...

Otra de las salas más interesantes de la Bienal fue la de Kounellis, que colocó doce caballos vivos.

En definitiva, el concepto de 'ambiente' se ha de entender en relación con la pasión de Germano por la historia de las instalaciones vanguardistas, que lo llevó a reflexionar sobre el contexto como parte integral de la obra. En 'Ambiente/Arte' el contexto se refería a la arquitectura interior, la estructura interna del espacio, su volumen y su superficie.

Germano se replanteó lo que hasta ahora había sido la Bienal y las exposiciones que allí se habían realizado. La transformación de un establo de caballos en el espacio donde se desarrolla la Bienal, Germano quiso devolver el significado del espacio, devolverle la historia al edificio, sólo dejó el techo, el suelo y las paredes, se limpió también el espacio de las paredes falsas que se habían construido.

Realmente esta exposición de Ambiente Arte empezó como una acción, desvelar la realidad del edificio, el alma del edificio y se pidió a los artistas que intentaran no solo utilizar las paredes como soporte sino como totalidad. Ideas de la exposición que venían del futurismo italiano y ruso. Espacios vacíos y transformables, con paredes que se movían para cambiar la perspectiva, el color del fondo, huir en todo momento de la exposición congelada. Había salas de Kandinsky, Mondrian, etc.

Una Bienal histórica.

Información adicional: Sobre las exposiciones de Germano Celant

9 de noviembre de 2009

¿Hasta que punto interesa el arte?

Estamos a lunes, y quiero lanzar una reflexión a raíz de la noticia aparecida este verano en diversos medios de comunicación con el siguiente titular:

Al 56,4% de los españoles le interesa poco o nada el arte

Al 56,4% de los españoles le interesa poco (33%) o nada (23,4%) el arte (pintura y fotografía), según se desprende del Barómetro del mes de junio del Centro de Investigaciones Sociológicas (CIS).

La encuesta también revela que el 72,7% de los encuestados no ha pisado una biblioteca en los últimos 12 meses. En cuanto a preferencias culturales, a los españoles les interesa mucho o bastante la música (70,5%), el cine (59,9%) y la lectura (59,2%), pero poco o nada la danza (77,2%) y el teatro (64,2%). Sobre la oferta cultural que ofrecen las ciudades españolas, más de la mitad considera que es "muy buena" o "buena", frente a uno de cada tres que cree que es "regular" o "mala".

Ejemplo: Me gustaría que me dijera, en qué medida le interesan: mucho, bastante, poco o nada, los siguientes ámbitos de la cultura que voy a mencionarle.

La muestra se realizó durante los días 4 al 13 de junio a casi 2.500 entrevistados de ambos sexos y mayores de edad.

Este estudio se hizo en España, pero ¿en el resto de los países cómo esta la situación? ¿Que opinaís vosotr@s?

8 de noviembre de 2009

Anju Dodiya

7 de noviembre de 2009

Paul Cox

Paul Cox es un reconocido escultor especializado en metal y cerámica. Paul obtuvó la beca de estudios Henry Moore para estudiar un Posgrado en escultura en la Royal Academy de Londres.

Su trabajo esta presente en colecciones públicas y privadas.

Actualmente vive en Newhaven donde realiza ediciones limitadas de sus piezas.

Si quereís ver más obras entrar aquí.

6 de noviembre de 2009

ARTividades próximas

Os recomiendo dos ARTividades que se realizarán próximamente.

En Salamanca el próximo día 20 comienza un interesante curso organizado conjuntamente por la USAL y el Da2 titulado Narración y puesta en escena en las artes visuales contemporáneas. El curso esta reconocido por la USAL y concede 2 créditos de libre elección.

El objetivo del curso es hacer una aproximación crítica a los espacios discursivos de las artes visuales actuales centrándose especialmente en los componentes narrativos y escenográficos de soportes como la fotografía, el video o la imagen digital, así como a sus distintas hibridaciones con los nuevos medios o las artes escénicas.

Las conferencias se impartirán en el Salón de Actos del DA2, los días 20, 23, 24, 25, 26, 27 y 28 de noviembre en horario de 17 a 21, salvo el día 20 que comenzará a las 18.

Más información aquí.

En Barcelona el próximo jueves 12 de noviembre a las 19 horas en ISPA (c/Amigó 17-19 1er piso) tendrá lugar un arte-café titulado El Arte como Medicina: una elaboración del proceso de duelo a través del arterapia, a cargo de Silvia Gutiérrez (Diplomada Universitaria en Enfermería, Master en Arteterapia Transdiciplinaria y Desarrollo Humano (ISPA) y CAGS (European Graduate School, Suiza). La entrada es libre, y no es necesaria la preinscripción, pero si se pide puntualidad :)

Un arte-café es un espacio donde se crean, en un marco de intercambio libre y espontáneo, diferentes expresiones artísticas, propias o no (lectura de poesía o textos breves, pinturas, ejercicios lúdicos e improvisación de dramatizaciones, multiplicación dramática de textos o pinturas, entre otras)

Silvia presentará un diario artístico que elaboro como respuesta estética al sufrimiento, una experiencia personal que le permitió descubrir el poder del arte para transformar el sufrimiento en un proceso de reencuentro con la vida y con la salud. La presentación del diario irá acompañada de conceptos teóricos sobre las bases metodológicas del trabajo con el arteterapia transdisciplinaria.

5 de noviembre de 2009

Lo último de Damien Hirst

Después de incrustar diamantes en una calavera, insertar animales en formol o colocar pastillas en una estantería, vuelve Damien Hirst al noticiario artístico con una pintura! Exactamente con veinticinco, calificadas por el diario The Guardian como 'aburridas' y 'de un adolescente aficionado', por The Times como 'espantosas y comerciales', o The Indepent como 'poco serias y propias de alguien que no sabe pintar'. Fueron presentadas hace un par de semanas en la Wallace Collection en un teatral escenario financiado por el propio Hirst, que ha pagado por completo el coste de esta exposición y de la necesaria reforma de las salas que ha implicado (266.000 € en total).

Lienzos con azul y negro como principales colores. Realizadas entre 2006 y 2008. El valeroso Hirst que siempre quiere situarse al final de la Historia del Arte esta insertado en un museo junto a obras de Poussin, Frans Hals o Tiziano. Siglos de distancia entre ellos. De cascadas idílicas y de rostros holandeses pasamos a calaveras suspendidas en el espacio, ¿podríamos pensar que es una nueva modalidad de naturaleza muerta?

4 de noviembre de 2009

Encuentro Redes de Arte en Salamanca

Hace unos meses el amable equipo de arte10.com me invito a participar en su encuentro de Redes de Arte que se celebró hace unas semanas en Valencia, el 14 de noviembre en Salamanca y posteriormente en Málaga y Madrid.


Yo estaré presente el día 14 en el Da2 de Salamanca, y el programa es el siguiente:

- 17:00 horas. Presentación. Subtema: Crítica y comunicación cultural. Jorge Tarazona. Arte10.com.

- Entrevista: Rafael López. DA2. (Domus Artium 2002)

- Entrevista: Pilar Sánchez Gómez. "Notesontheartpart2".

- Entrevista: José Luis Molinuevo. "Pensamiento en imágenes".

- Entrevista: Pilar Delgado. "El dado del arte".

- Entrevista: Manuel Allué. "Ambos siglos".

- Mesa redonda, debate, comentarios distendidos ...

- Cierre.

* Todas las entrevistas se grabarán en vídeo y serán emitidas en el canal de vídeo online a10tv

¡Invitados estaís! ¡Quedan 10 días!

3 de noviembre de 2009

Historia de las exposiciones II

Esta semana os resumiré la sesión del 26/10/2009 sobre las exposiciones del comisario Pontus Hultén, especialmente la exposición-escultura SHE-A Cathedral celebrada en la Moderna Museet de Estocolmo en el año 1966 y la retrospectiva Andy Warhol realizada en el mismo lugar dos años después.

La sesión la dictó Magnus af Petersens del Moderna Museet y comenzó con una idea a la que vengo dando vueltas hace un tiempo, la idea 'del museo sin paredes', a la que Pontus (1924-2006) también abogaba, en realidad, fue el quien propuso la idea del 'museo de arte contemporáneo'. Cuanta razón tenía, no podemos querer poner arte contemporáneo en salas concebidas para la pura exhibición de lienzos. Una obra de arte contemporáneo puede medir mucho, o quizás muy poco, pero los paradigmas han de cambiarse para entender que no es aquello (arte tradicional) sino algo diferente (arte contemporáneo).

Un museo debía y debe ser accesible, no cubrirse bajo el paradigma de templo para la contemplación estética. Si entendemos el museo bajo este último concepto, nuestra mente se cerrará al arte contemporáneo. El museo ideal sería por tanto, un lugar cercano al público, que dispusiera de espacio para lecturas, debates, etc. Un museo nuevo, experimental, activo, cuya función no fuera sólo exponer sino también experimentar.

Un gran ejemplo de estas innovadoras ideas de Pontus tuvo lugar en 1966 con la exposición SHE- A Cathedral. Los artistas Niki de Saint Phalle, Jean Tinguely y Per Olov Ultvedt fueron los responsables de la muestra cuyo catálogo se imprimió después de la muestra, para recopilar y mostrar todo el proceso de creación de obra. Los artistas fueron citados con el único fin de trabajar juntos, sin ningún plan previo. Este aspecto colaborativo para la creación de una obra en un museo es un rasgo bastante innovador.

El resultado de la colaboración de cinco semanas fue una gran pieza de poliéster, de 27 metros de largo, 8 metros de alto y 6 toneladas de peso, en forma de mujer tumbada. Para acceder al interior, la gente se adentraba por la vagina de la escultura En su interior la gente podía ver un estanque con peces, una gran rueda de molino, un hombre viendo la televisión, una máquina de romper botellas, una cabina de teléfonos, un tobogán para niños, una galería de cuadros falsos incluso una mini-sala de cine donde visualizar una película de Greta Garbo. Un total de tres pisos aprovechados en su totalidad que llegaron a recibir más de 100.000 visitas. Público que reaccionó muy positivamente hacia la pieza y se entendió que una catedral era más importante que una mera mujer recostada.

'La vida es corta, el arte es largo'. Una exposición creada no a partir de objetos llevados al museo, sino creados allí mismo y luego destruidos, el súmmum de lo efímero amig@s. 'She' se destruyó, era parte de su destino, y simbolizaba la crítica de los artistas hacia el llamado 'valor eterno del arte'.

El día de la presentación a los medios de comunicación los artistas estaban entusiasmados, sin embargo al día siguiente no salió nada en los diarios. Sin embargo, el Times publico un artículo favorable y entonces a todo el mundo le gustó la obra. Sorprende, no obstante, que una publicación como el Times se hiciera eco, teniendo en cuenta que Estocolmo aún en 1966 era un lugar bastante olvidado, pero como dijo Marshall McLuhan 'el arte puede ser cualquier cosa si te sales con la tuya'. La obra encajaba con una cosa que flotaba en el ambiente 'la libertad sexual'.

La otra exposición clave de Pontus, fue la primera retrospectiva de Andy Warhol en un museo, en el año 1968. El tema central de la exposición era la serialidad, para Warhol 'la serialidad es una repetición que va más allá de la composición'.

Andy Warhol decía: 'Me encantan que las cosas sean las mismas, exactamente las mismas'.


La exposición realmente comenzaba ya fuera del museo, en los muros se colocó un papel acartonado con la imagen de la vaca repetida.

El público fue muy escéptico y critico con la exposición. Pero la exposición aportó cosas importantes, la difuminación entre el arte y la vida. Las sopas Campbell's era algo de la vida de Warhol, las tomaba con frecuencia, y ahora pasaban en un museo a englobarse dentro del término 'arte'. Al mismo tiempo se entendía la obra como arte en progreso, dado que las cajas de Brillo por ejemplo, se realizaron en Estocolmo, no se transportaron desde el taller de Warhol.

En este caso Pontus estaba sumamente atraido por la multidisciplinariedad de Warhol, y esa atracción la debió de contagiar, dado que la gran mayoría de las obras fueron adquiridas por galerías y coleccionistas particulares.

La exposición también se hacía eco del cine, en aquel momento a Warhol le interesaba mucho este arte, incluso quería poner una película (concretamente imágenes del Empire State) junto con sus obras, en el mismo nivel el cine y el arte plástico, romper así la jerarquía, pero era complicado en aquella época poder reproducir una película en un museo o sala de arte.

En conclusión, para Pontus, la obra de arte era entendida como algo que estaba en diálogo con la sociedad.

Información adicional: Sobre las exposiciones de 'Pontus Hultén'

2 de noviembre de 2009

Alexandra Valy

Alexandra Valy

Jeannot-rabbit was born at the age of seven / 2001

The little princess / 2004

The ugly duckling / 2004

I see / 2008

People in glass houses / 2008

You only have to believe / 2008

1 de noviembre de 2009

Riyas Komu

31 de octubre de 2009

"Ciencia Loca" de Esteban Rivero

Ciencia Loca es el título de la muestra que el Pabellón 4 de Palermo Viejo (Argentina) acoge hasta el 7 de noviembre con obras de Esteban Rivero.

Superhéroes y villanos argentinos que no vuelan,
y se la pasan encerrados en remotos parajes
preparando el arma perfecta para conquistar el mundo.

Visto en Ramona.

30 de octubre de 2009

"Desencanto" de Juan Pablo García

La galería Meridion de Buenos Aires (Argentina) acoge hasta el 3 de noviembre la muestra Desencanto con obras de Juan Pablo García.

Donde hay un agujero, hay un corazón.
Seres bellísimos que se descubren habitando un mundo en ruinas.
Saltando entre cascotes y desparramando colores alrededor.
Una religiosidad de lo próximo.


Visto en Ramona.

29 de octubre de 2009

Frecuencias de Eugènia Balcells

Os queda un mes para poder disfrutar de la exposición de Eugènia Balcells que acoge el Arts Santa Mónica (Barcelona, España). Particularmente me encantó esta exposición, esta llena de color y no es la típica de cuadros colgados, ya por eso, merece la pena acercarse a verla.

«Frecuencias es la caja de colores con la que se pinta el mundo». Así resume la comisaria Eulàlia Bosch el proyecto que ha mantenido ocupada a Balcells durante más dos años. La artista ha traducido los elementos básicos de la materia en espectros de luz y los ha combinado en el ordenador. El público entra en la sala para sumergirse en un baño de colores y sonido hasta que los límites del cuerpo se funden con el entorno, esta es la obra Freqüències, pero es solo el comienzo. Con la superficie de la piel pintada, el público entra en una sala oscura donde se alza una espectacular escultura audiovisual giratoria, La roda de color, en la que la artista ha organizado el mundo en millones de imágenes que se van proyectando agrupadas en distintos colores. Por último Laberint, un homenaje al conocido parque barcelonés, donde contrapone la magnitud del planeta con la precisión de un lugar concreto.

Blog de Frecuencias.

28 de octubre de 2009

Eve Sussman & The Rufus Corporation

89 segundos en Alcazar (2004) es una peculiar videocreación realizada por Eve Sussman y The Rufus Corporation sobre la pintura de 1656: 'Las Meninas' de Diego Velázquez.

Un cuadro 'video-recreado' en alta definición.

Sussman interpreta este lienzo como una sucesión de fotogramas, revive el cuadro, la escena en la corte real española, los personajes se mueven, se miran, dialogan, rompen el estatismo de la bidimensionalidad del lienzo para cobrar vida. No obstante, la obra de Velázquez es sumamente apreciada por su perspectiva, por la captación de conversación entre los personajes y el espectador, el juego de reflejos, la propia presencia del pintor, las miradas, la congelación de gestos, etc. Todo ello es transformado por Eve y la coreógrafa del proyecto: Claudia de Serpa Soares. Para realizar '89 segundos en Alcazar' se estudio cómo pudieron entrar en la sala los personajes, las tensiones psicológicas existentes, etc. con la finalidad de dotar de narratidad a la obra.

Os dejo un vídeo de la obra, aunque la calidad no es muy buena:



La video instalación se pudo ver en el año 2006 en el MNCARS y fue triunfadora indiscutible en la Bienal de Whitney de 2004.

27 de octubre de 2009

Historia de las exposiciones I

Hoy comienzo una sección especial con motivo del curso Historia de las exposiciones: Más allá de la ideología del cubo blanco que se desarrolla en el MACBA (Barcelona) los lunes a las 19h hasta el 30 de noviembre.

Semanalmente os iré informando cómo han ido las sesiones. Comenzaré con la realizada el pasado 19/10/2009 por James Lingwood bajo el título This is Tomorrow Today, la exposición celebrada en la Whitechapel Art Gallery, Londres en el año 1956.


¿Qué hizó que esta exposición sea recordada? La respuesta es simple, por entonces no había homogeneidad en los artistas del momento, y eso es lo que se quisó mostrar en la exposición: la disparidad de propuestas que se daban a mediados del siglo XX, donde había 'modernistas', 'protomodernistas' y 'creadores de imágenes'. Pero a pesar de esa no-homogeneidad, había algo que los unía: todos estaban en contra del status quo del momento, iban en contra de la zona media del gusto inglés. Buscaban una provocación mental completa, que abarcase la vista, el olfato, etc. no sólo la retina. Un grupo joven, ambicioso, de origen obrero, humilde, desinteresados por el establishment británico. Por ello, esta muestra es considerada como la primera exposición de Pop Art.

Una de las obras más famosas que se dieron cita en esta exposición es el conocido mural de Richard Hamilton, "Just What is it that makes todays today's homes so different, so appealing?" que curiosamente no estuvo en la exposición y si en la publicación. Obra que también señala el momento de transición del blanco y negro a la imagen en color.


También estaba presente el interés por una de las películas más famosas de aquel año: 'Forbidden Planet', incluso un robot fue el encargado de abrir la exposición, quedándose para el recuerdo la frase 'es la primera vez que un robot inaugura una exposición'.

La muestra estaba dividida en 12 ámbitos, uno para cada grupo de artistas, pero era un orden desorganizado, dado que no había una lectura o un recorrido establecido, por tanto, estamos hablando de un planteamiento muy radical para mediados del XX.

Previa a 'This is Tomorrow' hubo una exposición llamada 'Paralelo entre vida y arte' en 1953 donde El grupo Independiente planteo ideas innovadoras que tuvieron su pleno apogeo en la exposición de 1956. Artistas amantes de lo popular, gusto que mostraban en sus obras con guiños al cine, a los girasoles de Van Gogh, etc...querían contraponer la idea del arte popular al 'otro'. Un grupo que estaba a favor del arte popular, de la inclusividad, de la abolición de la jerarquía, de la cencia ficción, de las máquinas, de la ciudad moderna, del consumidor frente al espectador de la cultura, de la estética de la abundancia. Y en contra del buen gusto, el elitismo, la clase media infumable, la estética tradicional, las vacaciones en la Toscana, las ropas de gran calidad que duraban eternamente.

Los libros de Historia dicen que 'This is Tomorrow' fue el punto de partida del pop británico, pero fue mas que eso, manifestó muchas ideas claves para el pop. No olvidemos como Hamilton habló del arte pop, describiéndolo a través de una serie de cualidades como: popular, pasajero, que se puede dar de baja, de bajo coste, producido en masa, joven, ingenioso, sexy, evasivo, atrayente y prometedor.

Quedemonos con el entusiasmo reflejado en su manifiesto del catálogo "Este es el arte del futuro", ¿quien es hoy día capaz de hacer semejante afirmación?

26 de octubre de 2009

Jenny Holzer

Jenny Holzer (Ohio, 1950) es una artista que fue abstracta y hoy se la define como conceptual. Su trabajo esta repleto de textos con los cuales invade el espacio público mediante pósters, letreros luminosos, pegatinas, camisetas, señales, etc.

Para Jenny el texto es algo más que una suma de letras, es un mensaje, que conlleva una existencia, un autor, un lugar, un tiempo. Conceptos que deambulan entre ficciones y realidades, entre la esfera pública y el ámbito privado. La artista ofrece un retrato social a la vez que psicológico de la era contemporánea.

Desde el 1 de noviembre y hasta el 24 de enero de 2010, la Fundación Beyeler (Basilea) acogerá una muestra sobre ella.

Visto en Masdearte.com